Swarm Studies

Random International

installation, 2010

Swarm Studies est une installation monumentale qui traduit des mouvements collectifs observés dans la nature en animations de motifs lumineux. Chaque source de lumière possède son propre comportement mais agit aussi en fonction de celles qui l’entourent.

Random International est un studio fondé en 2005 par Hannes Koch et Florian Ortkrass, deux anciens étudiants du Royal College of Art de Londres. Actuellement il est composé d’une équipe de 8 artistes répartis entre Londres et Berlin. Au travers de leur travail, ils abordent différentes questions, notamment : l’identité dans ère post-digitale. Ils traitent souvent de cette thématique au travers du reflet. Ils aiment questionner le rapport qu’entretient l’homme avec la technologie. Certaines de leurs pièces sont présentes dans les collections permanentes du MoMa. En 2010, durant Art Basel, ils reçoivent la distinction «Designers of the Future ».

Drone Shadow

James Bridle

installation, 2016

Pour James Bridle, la silhouette de ce drone, utilisé par l’armée américaine au Moyen-Orient, représente un des aspects cachés du réseau de technologies dans lequel nous vivons. Alors que le numérique nous émerveille souvent en facilitant nos tâches quotidiennes, les mêmes outils sont aussi à l’origine d’une obsession pour une prétendue «sécurité », d’une surveillance omniprésente et de machines à tuer.

James Bridle est un auteur, éditeur et technologue anglais basé à Athènes. Son travail se situe au croisement entre littérature, culture et mise en réseaux et a été demandé par de nombreuses galeries et institutions qui l’ont exposé dans le monde entier. Il écrit régulièrement des articles et donne des conférences au sujet de la culture et des réseaux, notamment autour de son projet de recherche appelé “the New Aesthetic”, qui a donné lieu à de nombreuses réflexions et travaux dans le milieu de l’art contemporain.

Mimed Sculpture

David Balula

performance, 2016

Mimed Sculptures ne rend visible les volumes présentés qu’à travers les mains de mimes. De ce fait, chaque partie de la sculpture disparaît lorsque les mimes se déplacent vers la partie suivante. En reproduisant temporairement des œuvres reconnaissables, la pièce met en évidence la nature éphémère de toute observation artistique et le rôle que la mémoire joue dans l'expérience d'une œuvre d'art.

Né en 1978 à Annecy, David Balula met à profit toutes les formes de matière naturelle (solide, liquide, gaz, feu), ainsi que des structures d'origine humaine et les systèmes (architecture, réseaux virtuels) pour générer des peintures, des sculptures, des photographies, des performances et des interventions spécifiques au site.

Audio-Spatial Experimentation #1

Pierre Allain-Longval, Pierry Jaquillard, Luca Kasper & Callum Ross

installation, 2017

Audio-Spatial Experimentation #1 est le résultat d’une semaine de workshop avec l’artiste Chris Sugrue. Un espace digital de 4m x 4m est perceptible au visiteur uniquement à travers un casque audio interactif, qui lui permet d’entendre les sons émis par des objets virtuels, confrontant ainsi l’espace réel visible à l’espace digital audible.

Pierre Allain-Longval, Pierry Jaquillard, Luca Kasper et Callum Ross sont quatre étudiants de l’école cantonale d’art de Lausanne qui suivent actuellement une formation en Design Interactif. Suivant les mêmes workshops et participant à des projets semblables ces dernières années, ils ont souvent traité d’interventions audio-visuelles qui tendent à transformer l’espace en une forme d’immersion sensorielle.

Still Life (Betamale)

Jon Rafman

video & interface, 5’, 2013

Originellement présentée lors de son exposition solo à la Zabrudovicz Collection à Londres en 2015, cette interface de visionnement de Jon Rafman plonge le spectateur dans un univers ludique. Provenant de son intérêt pour la conscience humaine et les mécanismes du désir, ce dispositif atypique permet d’apprécier différemment le projet vidéo « Still Life (Betamale) », réalisé en 2013.

Jon Rafman est né en 1981 à Montréal, où il vit et travaille toujours. Il détient un baccalauréat des Arts en Philosophie et en Littérature de l’Université McGill et une maîtrise en Arts Visuels de la School of the Art Institute of Chicago. Malgré son jeune âge, il connaît un succès et une visibilité remarquables : expositions au New Museum (New York, 2010), à la Saatchi Gallery (Londres, 2012), au Musée d’art contemporain (Rome, 2010), au Palais de Tokyo (Paris, 2012) et au Fridericianum (Kassel, 2013) ; ainsi que des articles dans les revues Artforum, Art in America, Modern Painters et Frieze.

! (MULTICHANNEL)

Anke Eckardt

sound sculpture, 2010

! (MULTICHANNEL) est composé d’un haut-parleur accroché en hauteur et dirigé verticalement vers un volume d’eau teintée disposé au sol. Une très basse fréquence est diffusée périodiquement et provoque une onde de choc ronde alors visible sur l’eau noire, rendant tangible la force physique des ondes sonores.

Né en 1976 à Dresde, en Allemagne, Anke Eckardt a également vécu à Cologne et à Berlin. Son travail englobe les sculptures et les installations, la recherche et l'enseignement. Elle présente son travail artistique à l'international dans des expositions (Ars Electronica, NEMO, Steirischer Herbst, CTM Festival - Club Transmediale, European Media Art Festival, SKANU MESZ a.s.o.). Pour ses pièces, elle utilise du son et de la lumière en tant que matériau modulable. Anke est l'un des artistes contributeurs au projet de recherche d'art transdisciplinaire DIGITAL SYNESTHESIA (2013-2016).

BETWEEN | YOU | AND | ME

Anke Eckardt

multisensory installation, 2011

L’installation consiste en un espace architectural façonné par une projection de lumière traversant une légère brume. Les membranes de lumières scindent ainsi la pièce, dans laquelle sont également audibles différentes textures de verre brisé, qui s’altèrent en fonction de la position du visiteur.

Né en 1976 à Dresde, en Allemagne, Anke Eckardt a également vécu à Cologne et à Berlin. Son travail englobe les sculptures et les installations, la recherche et l'enseignement. Elle présente son travail artistique à l'international dans des expositions (Ars Electronica, NEMO, Steirischer Herbst, CTM Festival - Club Transmediale, European Media Art Festival, SKANU MESZ a.s.o.). Pour ses pièces, elle utilise du son et de la lumière en tant que matériau modulable. Anke est l'un des artistes contributeurs au projet de recherche d'art transdisciplinaire DIGITAL SYNESTHESIA (2013-2016).

Struktur

Pierre Allain-Longval

application, 2014

Struktur met en scène des situations de collisions d’objets physiques, visualisées sur un écran. Ces situations sont parfois régies par les lois de la physique classique, parfois par une dynamique propre à la visualisation 3D. L’interface numérique permet de visualiser de nouveaux scénarios, créant un espace intangible dans lequel le rapport au réel des objets présentés est remis en question.

Né en 1995 en région parisienne, Pierre a évolué depuis ses débuts en prenant des cours de dessin et graphisme. Après des études d’arts appliqués, il s’est tourné vers le design d’interaction. Il s’intéresse tout particulièrement aux notions de voyeurisme sur internet, mais aussi aux nouvelles possibilités que la technologie offre à notre perception.

Shared Content Jam Session

Antoine Siron & Luca Kasper

performance, 22’, 2016

A l’occasion de 50JPG, la triennale de la photographie à Genève en 2016, Antoine Siron, étudiant en Interaction à la HEAD et Luca Kasper, étudiant à l’ECAL, ont développé une performance mettant en scène la recherche d’informations et de théories sur la surveillance opérée par les réseaux sociaux. Deux utilisateurs suivent naïvement les suggestions de plateformes telles que Facebook et Youtube, les sons provenant des vidéos regardées ou des notifications provoquées sont traités par des effets audio et diffusés dans la pièce, transformant ce forum de la conspiration en un espace étrange et inquiétant.

Etudiant à l’école cantonale d’art de Lausanne, Luca Kasper suit une formation de Design Interactif en parallèle d’une pratique sonore expérimentale. Il a présenté un dispositif interactif avec Callum Ross au salon du Design de Milan (Metronomy, 2016 ) et une installation cinétique mettant en scène des robots initialement destinés à l’apprentissage de la programmation, avec Alain Bellet, Cyril Diagne et Laura Perrenoud, au Musée Vitra à l’occasion de l’exposition « Hello Robot, Design between Human and Machine » (Error is Human, 2017).

Handle It

Justine Rieder, Giulio Barresi & André Andrade

oeuvre intéractive, 2017

Handle It est une installation interactive créée dans le cadre d’un workshop avec l’artiste Chris Sugrue.A l’aide d’une manivelle, un écosystème digital s’anime. La force engendrée par la rotation de l'installation agit sur le comportement des “êtres” présents dans l’espace, liant ainsi le réel au digital.

Justine a commencé en 2011 une une formation professionnelle en entreprise au sein du “Media Engineering Institute” (MEI) d’une haute école du nord-vaudois. Elle développe différentes compétences liées à l'audiovisuel et se passionne pour le vidéo mapping, mais réalise rapidement qu’il manque dans ses projets un dialogue avec le public. C’est pour cela, qu’en 2015, elle débute un bachelor à l’ECAL (haute école d’art et de design de Lausanne) dans la section “Media and Interaction Design”.

Your Atmospheric Color Atlas

Olafur Eliason

installation, 2009

Le projet “Your atmospheric colour atlas” bloque toute possibilité de se repérer de manière conventionnelle dans l’espace dans lequel il est installé. Confronté à cette pièce remplie de fumée, le visiteur est obligé de s’orienter par rapport aux différentes zones de couleur, modifiant ainsi la façon dont il perçoit l’espace.

Olafur Eliasson est un artiste contemporain Islandais, né en 1967. Il a fait ses études à l’Académie Royal des Beaux-Arts du Danemark, qu’il a fini en 1995. Son travail explore la relation entre la nature et la technologie, sa pratique consistant essentiellement d’expérimentation et de recherche. Ses oeuvres, allant de l’objet au monument, ont été exposées dans la Turbine Hall de la Tate, dans le jardin du Palais de Versailles ou encore en plein centre de New York. Il porte un intérêt particulier à la lumière et l’espace.